Musik, Technologie, Zukunft.
Ein Podcast mit René Türschmann und Janis Brucker.
In Kooperation mit der Hamburg Open Online University
und der Hochschule für Musik und Theater Hamburg.
Es gibt heute kaum noch einen Klang, der uns zu Ohren kommt,
der nicht zu einem gewissen Grad von Technologie geformt wurde.
Willkommen zu unserem Podcast
"Musik, Technologie und Zukunft" mit Janis Brucker und René Türschmann.
Wir beide arbeiten als Musikschaffende und sind Dozenten
an der Hochschule für Musik und Theater in Hamburg.
Im Rahmen der Hamburg Open Online University
werden wir in fünf Podcastfolgen das Thema "Musik, Technologie und Zukunft"
mit Gesprächspartnern aus verschiedenen Disziplinen betrachten.
Janis, mit wem werden wir denn in einer Reihe dieser Folgen sprechen?
Ja, da haben wir natürlich sehr viele spannende Gäste uns ausgesucht.
Wir haben zum einen die Gitarristin aus der NDR-Bigband, Sandra
Hempel, die natürlich auch international sehr aktiv und bekannt
ist, zusammen mit Marcio Doctor, auch in der NDR-Bigband dort
Percussionist, aber eben auch Komponist für Film und Medien.
Dann haben wir in einer
weiteren Folge den Machine-Learning-Forscher Dr.
Peter Knees zu Gast.
Er ist Professor in Wien und forscht eben an
insbesondere für die Musik relevanten Bereichen in Bezug
auf Künstliche Intelligenz und Machine Learning.
Und zuletzt haben wir Dr. Hannes
Wortmann, einen Philosophen zu Gast, der aber auch leidenschaftlicher Gitarrist ist
und mit dem wir dann eher die
philosophisch anmutenderen Fragen versuchen zu klären. Genau.
Und die erste Folge, da bleiben wir noch unter uns, wir beide, und widmen
die den wichtigsten Innovationen in der Musiktechnologie der letzten Jahrzehnte.
Denn die Geschichte von Musik
und Musiktechnologie ist ja von Anfang an sehr eng verzahnt.
Also es fängt an mit so Sachen wie Experimenten von Pythagoras,
der ja herausgefunden hat,
das zwei Saiten, wovon die eine doppelt so stark gespannt ist wie der andere, eben
in einem Oktavabstand zueinander sind.
Das heißt, er hat rausgefunden, dass es Intervalle gibt.
Er hat erst die diatonische Skala sozusagen
erfunden oder herausgefunden.
Dann geht es über Bartolomeo Cristofori, der das Hammerklavier gebaut hat.
Auf einmal konnte man eben - ne, also deswegen hieß es ja auch Pianoforte -
konnte man leise und laut spielen, im Gegensatz zum Cembalo, was es vorher gab.
Und bis hin zu den klangbeeinflussenden Technologien, die wir heute benutzen.
Und die ganze Zeit - das waren jetzt einzelne
zufällige Beispiele -, aber die ganze Zeit gab es ja
immer wieder neue Entwicklungen, die auch immer wieder die Musik
und die Art und Weise, wie wir Musik haben, beeinflusst haben.
Das ist eigentlich total spannend, dass du schon
solche Techniken
wie das Hammerklavier auch in den Bereich der Musiktechnologie einbezieht.
Das ist eigentlich natürlich total richtig.
Das ist auch Technologie, die verwendet wird, um Musik zu machen.
Tatsächlich denke...
habe ich aber jetzt und wahrscheinlich viele Hörer auch erst mal an
andere Dinge, an viel
modernere Dinge natürlich gedacht im Bereich der Musiktechnologie.
Wie auch immer.
Genau aus diesem Grund haben wir uns ja ein Spiel für diese Folge überlegt bzw.
haben wir uns beide eine Liste erstellt, um einmal so die für uns
sechs wichtigsten Innovationen oder Erfindungen aus der Musiktechnologie
bis heute herausgesucht.
Und die wollen wir uns jetzt gegenseitig mal vorstellen.
Wir wissen tatsächlich nicht, was der andere,
was der andere sich überlegt hat.
Und ich bin selbst ganz gespannt, was du also so als erstes rausgesucht hast.
René, was ist deine erste
Topinnovation der Musiktechnologieentwicklung?
Ich muss ja das Spiel gleich schon ein bisschen stören,
weil ich einfach gescheitert bin, sechs einzelne Dinge rauszufinden.
Sondern viel mehr habe ich drei Bereiche gefunden, wo ich glaube, da sind wichtige
Entwicklungen passiert.
Und in diesen Bereichen habe ich jeweils,
na ja, eins bis neun Dinge gefunden,
die relevant erscheinen, die aber auch alle voneinander abhängig sind.
Deswegen fand ich es ganz schwer, so distinkte Dinge zu definieren.
Aber ich würde mal anfangen mit dem großen Bereich, der auf jeden Fall
einen ganz großen Unterschied gemacht
hat, nämlich die Entwicklung von Sound Recording.
Und darunter fallen halt ganz viele Sachen.
Aber mein Punkt ist sozusagen, auf den ich hinauswill, ist erst mal - ne,
unabhängig jetzt von den ganzen Technologien, die
das ermöglicht haben - ist,
dass Sound Recording als
Ding erst mal die Verbreitung
natürlich und die Kommodifizierung verändert hat von Musik, klar.
Aber es hat vor allem die soziale
und künstlerische Bedeutung von Musik verändert.
Nämlich es wurde dann klar, dass
gedruckte
Noten nicht mehr nur das repräsentieren, was die Musik sein kann.
Also das haben sie noch nie so richtig.
Aber es wurde natürlich immer schlimmer.
Wenn Sound selbst
eine Sache von Kunst wird,
dann ist natürlich Notation, die vorher entwickelt wurde, nicht
mehr ausreichend. Gleichzeitig
hat sich...
Als Sound Recording aufkam, wandelte sich ja auch die Musik.
Da ist jetzt die Frage: Wieso korreliert das miteinander?
Aber zum Beispiel änderte sich die Musik, die klassische Musik in dem Sinne,
dass Wiederholungen immer weniger wurden. Ja. Ne?
Also Extrembeispiel ist Schönbergs
"Erwartung".
Und dann gab es ja auch noch die Weiterentwicklung,
dass natürlich auch sozusagen Live-Performances sich emanzipierten
vor dem Sound Recording, in dem dann Zufall
nach dem Zweiten Weltkrieg immer mehr
Einzug hielt in Aufführungen, die dann einzigartig machte.
So, und bevor ich jetzt noch weitergehe, weil: Daran hängt ja jetzt ganz viel.
Aber Janis, du hast bestimmt dazu was. Nee, absolut.
Also das finde ich auch einen absolut legitimen Punkt.
Also zu sagen: Klar, ab dem Moment, wo wir überhaupt Musik oder Schallwellen
in irgendeiner Form
speichern und wiedergeben konnten, das war natürlich revolutionär.
Also ich denke da immer eigentlich an den Phonographen so als den...
als das Gerät, was sozusagen so als allererstes da
überhaupt uns in die Lage versetzt hat.
Also schon im 19. Jahrhundert oder Ende des 19.
Jahrhunderts von Edison entwickelt.
Und man kennt ja so die Storys, das war, glaube ich,
dann später beim Telefon,
dass die Leute quasi Angst bekommen hatten, wenn man
in solche Aufnahmen vorgestellt hat, weil man gedacht hat,
da ist jemand im Raum, der gar nicht im Raum ist und täuschend
echt wird die Stimme imitiert.
Wenn man heute irgendwie
noch mal einen Phonographen abspielt, kann man da natürlich nur drüber lachen.
Aber trotzdem zeigt es einfach, wie doll es die Welt damals verändert hat.
Und ja genau, auch was du sagst, denke ich auch, dass das quasi
in der klassischen Musik...
das ganze Prozedere oder die ganze Tradition von Wiederholungen und so
sich verändern musste, weil einfach man jetzt die Möglichkeit
hatte, Dinge, die man einmal gehört hat, auch wieder abzuspielen.
Also definitiv klar, Recording von Musik finde ich auch sehr wichtig.
Genau und das hat ja dann sogar - also Sound Recording selbst - hat ja dann
auch einen ganz neuen Musikstil etabliert.
Also Musique Concrète wäre das dann ja, also die dann quasi
aufgenommenes Material benutzt und es verändert, Audioeffekte benutzt,
Tape-Manipulation benutzt
und es dann wieder zusammen montiert
und dann auch so auch die Zeitlichkeit von Musik aufbricht.
Also es gibt ein schönes Beispiel, das ist der Ring
von Wagner, der dann halt in seiner ganzen Länge gar nicht mehr abgespielt wird,
sondern der wird eben eingedampft, diese 16 Stunden oder was es sind... Ja.
...wird dann eingedampft auf nur noch zwei oder drei Minuten,
eben durch Audiomontage. Und
das ist natürlich ein ganz spannender
Fall, weil: Diese ganzen Sachen, die in der Musique Concrète
dann konkret benutzt wurden, also hier Pierre Boulez,
Stockhausen, Varese, Janis Xenakis und so weiter,
die haben ja dann in der Folge ganz extrem die Popmusik beeinflusst. Ne?
Also Beatles, Zappa, Pink
Floyd, Beach Boys und so. Die haben ja alle das dann...
Ja, da werde ich gleich auch noch ein paar Perlen...
Genau. ... das dann eben genutzt.
Also für mich wäre sozusagen deswegen immer noch...
ich bin immer noch eigentlich bei meinem ersten Punkt.
Sound Recording hat quasi
die ganze Popmusikentwicklung bedingt.
Absolut.
Und auch beruflich hat sich natürlich einiges geändert.
Ne? Die ganzen Filmmusikorchester, die quasi live...
oder überhaupt Filmmusiker, die quasi live zum Bild gespielt haben,
die wurden teilweise in großen Entlassungsarien, kann man sagen,
aus diesem Berufszweig weggedrängt, weil: Mit der Erfindung des Tonfilms
wesentlich später aber überhaupt die Möglichkeit Musik aufzunehmen
und abzuspielen hat letzten Endes dann auch diese Livepraxis
natürlich abgelöst.
Und das ist, denke ich, natürlich bis
heute geblieben, dass sozusagen die Möglichkeit zu haben...
Playback abzuspielen kann natürlich immer bedeuten, dass Livemusik
an dem Punkt ja ersetzt werden kann.
Und da gibt es ja vor allem also die zweite und dritte
wichtige Erfindung,
die auf meiner Liste da in diesem Rahmen des Sound Recordings steht; ist halt
genau deswegen dann auch natürlich Mikrofone. Ne?
Also die Entwicklung von Mikrofon und dann vor allem Mikrofone,
also Kondensatormikrofone, die es schaffen
wirklich detailliert Sachen aufzunehmen
und räumlich abbilden zu können und so weiter.
Damit ganz eng zusammenhängend natürlich...
Ich meine,
am Anfang hatte man wirklich
nur ein Mikrofon in Raum gestellt
und das lauteste Instrument stand halt am weitesten weg vom Mikrofon. Ja.
Und damit zusammenhängend
natürlich dann auch die Möglichkeit, mehrere Kanäle gleichzeitig aufzunehmen.
Und dann natürlich Tape war ja dann das Mittel der Wahl.
Und Tape war ja auch die Bedingung für die Musique Concrète.
Also das heißt, das, ne, wirkt dann alles zusammen und diese Mehrspurkanalaufnahmen
ermöglichen dann auch überhaupt erst solche Versuche,
die dann auch eben bei den Beatles im "White Album" mündeten und so.
Genau das ist auch tatsächlich für mich eine der ersten Innovationen, die ich so
als eine der wichtigsten mir notiert habe, also die Mehrspuraufnahme.
Vielleicht aber sogar eigentlich die Einführung des
Acht-Track-Recorders oder Eight-Track-Recorders, weil...
Also selbstverständlich also hast du vollkommen recht, dass all die...
also überhaupt Multimikrofonierung und dann mit mehreren Spuren aufnehmen,
alles; das eine führt zum anderen, selbstverständlich.
Aber ich habe so das Gefühl, dass ein ganz wichtiger Bruch noch mal gekommen ist
mit dem Acht-Spur-Aufnahmegerät, weil, wenn ich das richtig verstanden habe,
damit erst so die richtige Overdub-Kultur so seine Essenz gefunden hat.
Was wahrscheinlich die wenigsten wissen, ist,
dass die Vier-Track-Recorder, die ja auch schon mehrere Spuren
separat voneinander aufnehmen konnten, das noch nicht im Overdub-Verfahren machen
konnten, sondern quasi immer gleichzeitig vier Spuren haben aufnehmen müssen.
Die konnte man dann auch zusammenmischen zu einer Stereospur
oder zu einer Monospur, um dann Overdub-Recordings zu machen.
Aber mit der Einführung des ersten Acht-Track-Geräts
hat man quasi noch mal ganz andere Möglichkeiten gehabt,
auch wirklich Spur für Spur und Instrument für Instrument nachzulagern.
Und da sind natürlich selbstverständlich die Beatles
mit federführend gewesen, um damit zu experimentieren.
"While my Guitar gently weeps" war so eines der wichtigen Recordings,
was sich genau durch diese Erfindung dann auch überhaupt erst
entwickelt und verändert hat.
Aber auch in den 50er Jahren hat Les Paul ganz viel damit gearbeitet
und zum Beispiel Bing Crosby dabei geholfen, schon ja
erste wichtige Overdub...
im Overdub-Verfahren entstehende Alben
zu veröffentlichen.
Genau.
Und weil du gerade Beatles angesprochen hast.
Da gibt es ja dieses schöne Beispiel,
da haben wir auch schon öfter mal drüber geredet, die Strawberry Fields. Ne?
Also es wurden quasi zwei Versionen gemacht.
Die eine wurde mit Flöten
quasi für die Beatles und die
Flöten orchestriert und die anderen wurde dann halt
für Trompeten und Cellos
orchestriert.
Und die wurden in unterschiedlichen Tempi aufgenommen.
Und man stellte dann fest: Nee, also irgendwie passt das alles nicht.
Und im Endeffekt wurden dann quasi diese
zwei Versionen zusammengeschnitten und Tempo angepasst.
Und heraus kam dann ja etwas, was
seltsam ist, weil die zweite Version mit den Trompeten und den Celli
langsamer abgespielt wurde als aufgenommen und die mit den Flöten
schneller als aufgenommen.
Und das Ergebnis ist so ein Mix-Ding und dadurch klingt halt die Stimme
von John Lennon auch im zweiten Teil von diesem Song
so ein bisschen - also weiß ich nicht - wolkig oder so was. Ja.
Genau.
Und so,
überhaupt solche Möglichkeiten zu haben und auch als Musiker überhaupt drauf
zu kommen, dass man das macht.
Aber man muss zugeben, als sie das gemacht haben,
war ja schon ganz viel der Musique Concrète passiert.
Also es war nicht so, dass die jetzt als allererstes auf diese Idee kam,
sondern in der Avantgarde-Klassik war das ja
schon lange Usus, quasi. Ja.
Aber trotzdem eigentlich ein sehr spannendes Phänomen,
was uns auch, denke ich, eigentlich bis heute begleitet, dass sozusagen
bestimmte Artefakte, also technisch bedingte ja,
wenn man so will, Unzulänglichkeiten am Ende Effekte hervorgerufen haben,
wo man dann in der Produktion feststellen musste: Oh, das ist eigentlich
total spannend, oder das klingt halt so, wie wir es noch gar nicht kennen oder
wie es nie hätte anders erzeugt werden können; weil natürlich
durch die Modifizierung von Sound auf einmal
Klangereignisse und
Klangphänomene auftraten, die was ganz Neues
eröffneten bei uns und uns natürlich auch neu wieder irgendwie inspiriert haben.
Genau.
Und typisch ist ja auch dieser Fall, das Nahmikrofonieren.
Also ihr hört hier ja jetzt unsere Stimmen, hört ihr ja
alle relativ nah.
Und das ist ja was, wie man sie eigentlich nie hört im richtigen Leben.
Sondern man ist ja...
also in den meisten Fällen ist man schon
mehr als zehn Zentimeter entfernt von dem Sprecher. Ja.
Und diese Sachen wurden ja dann auch - also auch Beatles
wieder ein Beispiel dafür - wurden ja auch da mit Instrumenten gemacht.
Also ein Drumset nah zu mikrofonieren,
darauf wäre man in den 30ern nicht gekommen. Auch einfach,
weil man eben nicht die Kanäle hatte, nicht die Mikros und so. Aber
das haben die Beatles eben gemacht.
Und dadurch haben die einen ganz...
hat das eben eine eigene Ästhetik bekommen.
Also die Popmusik, nicht nur die Beatles, dann auch natürlich andere,
haben dann dieses Multi miking genutzt, um eben so - besonders Close miking -,
um nahe Signale zu bekommen, die man so gar nicht mehr...
die man so nie hören würde.
Gleichzeitig hat das dann wieder die Bedingung dafür, geschaffen bzw.
es hat...
dadurch, dass man eben so nah mikrofoniert hat,
gab es natürlich
sehr große
Klangspitzen, nenne ich es mal,
weil, ne: Je näher du dran bist, desto lauter ist natürlich ein Signal.
Das heißt,
die Anforderungen an die Mikros sind gestiegen,
gleichzeitig
hatte man natürlich
nur einen gewissen Dynamikumfang von dem Aufnahmen-Medium, also Tape.
Das heißt, dann
wurde gesagt: Na gut, dann braucht man halt so was wie ein Kompressor und so, der
dann wieder diese Spitzen, die Transienten einfängt.
Und es gab natürlich schon vorher Kompressoren, aber
der wurde dann natürlich zum integralen Bestandteil auch des Sounds,... Ja.
...weil man den eben
immer stärker nutzen musste, weil man eben
das Aufnahmen-Medium auch schützen wollte vor diesen starken Transienten,
die auch dadurch zustande kam, dass man eben so nah mikrofonierte.
Ja, eigentlich, eigentlich total witzig, ne, dass sich so ein bis heute - ja
wie soll man sagen...
also als maßgeblich erwartetes Klangbild auch durch
eine falsche Abbildung,
wenn man so will, der Soundquelle so etabliert hat.
Also das quasi, genau wie du ja sagtest, also die Stimme, aber auch Instrumente,
die klingen halt im echten Leben, in dem echten Raum nicht
so wie sie von einem Nahmikrofon abgenommen werden.
Gleichzeitig, wenn du heute irgendwie einen Handrecorder
oder ein Handy oder irgendein Mikrofon halt relativ weit weg
hinstellst und einfach irgendein Orchester bei der Probe aufnimmst, dann klingt es
halt total unprofessionell, total nach, ja, so nach einer Probenaufnahme
und man denkt irgendwie: Das ist doch falsch,
das klingt doch nicht so, wie eine CD-Aufnahme klingt.
Und das ist eigentlich total lustig, dass wir wirklich uns so ein künstliches...
so eine künstliche Klangwelt erschaffen haben, die aber heute die Erwartung ist
und eben auch ja so ein bisschen die Kunstform der Musikproduktion eben so weit
getrieben hat, wie wir das heute kennen und was immer noch den Standard bildet.
Genau das ist ja eigentlich genau, wie man das aus Photoshoots kennt.
Also das Cover der VoC, da würde man niemals ein
Foto sehen wollen, was nicht
super HiFi-mäßig retuschiert wurde.
Oder Fotos von der Karibik, wo man Urlaub macht.
Ne? Da möchte man natürlich nicht
irgendwie den Tang am Strand sehen und man möchte
nicht irgendwie den Plastikmüll sehen, der da liegt.
Sondern es wird natürlich alles vorher weggeräumt
und dann auch noch nachträglich retuschiert.
Und so ist ein bisschen mit Musik.
Und dann gibt es natürlich immer
diese Gegenbewegung,
wo man dann ganz bewusst sagt: Nee, und jetzt wollen wir das mal so richtig
dreckig aussehen lassen und richtig dreckig klingen lassen.
Es wird halt...
es verändert auf jeden Fall, und da glaube ich...
Also das verändert halt nicht nur die Aufnahme und das Produkt,
was man hört, sondern das verändert natürlich auch Liveauftritte
und es verändert auch den Anspruch an Instrumente.
Und das sind auch die drei großen Kategorien,
die ich hier halt aufgemacht hätte...
Okay.
...in diesem Spiel zu sagen: Wir haben halt Sound Recording,
wir haben Sound Amplification und wir haben Instruments.
Also diese drei Sachen; in den Bereichen, glaube ich, sind
sehr relevante Fortschritte erzielt worden in den letzten Jahrzehnten oder
in den letzten 100 Jahren.
Und genau.
Aber wir können...
Gehen wir noch mal weiter, was du noch hast.
[Unverständlich] Ja, genau. Dann...
Ich habe mir als nächsten Punkt - und oh Wunder,
dass wir gleich wieder
Beatles als Beispiel nehmen werden müssen - als nächsten Punkt
Stereofonie aufgeschrieben.
Was ich auch total spannend finde,
weil es eigentlich eine Technologie ist, die seit den 20ern schon existierte.
Also relativ früh schon oder relativ lang schon
als Technologie vorhanden ist und einsatzbereit war.
In den 40ern auch tatsächlich schon zum Einsatz kam.
Aber eigentlich
bis zum Ende der 60er Jahre in vornehmlich Radio
und in der Klassikmusik vorbehalten war,
also dem Radio
und der Klassikmusik vorbehalten war, und Jazz und Pop eigentlich weiterhin
bis Ende der 60er ganz lange immer noch mono war.
Und ich habe manchmal so das Gefühl, weil: Man merkt das so besonders doll
so bei Stevie Wonder zum Beispiel "Music of my Mind" oder so ist von 1972,
was das für eine Offenbarung gewesen sein muss, als die Künstler auf einmal
die Möglichkeit hatten, räumlich
sich anders
ausdrücken zu können oder den Sound räumlich anders verteilen zu können.
Und das merkt man irgendwie ganz doll in diesen Aufnahmen der 70er Jahre,
wo ganz viel damit gespielt wurde, wo wahnsinnig viel im Panorama einfach
passiert ist,
auch total
extrem verteilt wurde, aber sehr viele Effekte.
Man nimmt das gar nicht unbedingt
so wahr, wenn man da nicht ganz, ganz bewusst drauf hört.
Aber wenn man sich das vorstellt,
was das für eine Offenbarung oder für ein Paradigmenwechsel gewesen sein muss
eigentlich von einer Schallquelle hin zu zwei,
wodurch man so einen gesamten Raum kreieren konnte,
das finde ich schon wirklich, wirklich wahnsinnig
beachtlich und sehr beeindruckend eben,
wenn man mit diesem Ohr auch diese Aufnahmen noch mal so durchgeht.
Vielleicht müssen wir noch kurz erklären, was es eigentlich heißt Mono und Stereo.
Wir nehmen ja Schall wahr, ob es von links oder rechts kommt.
Entweder dadurch, dass es links von links der Schall, der von links auf unser Ohr
trifft, lauter ist als der Schall, der rechts auf unser Ohr trifft.
Dadurch schiebt sich das Bild der Klangwelle nach links.
Oder aber,
und das kann auch zusammen auftreten natürlich,
man hat ein leichtes Delay. Ne?
Also das heißt eben, das Signal kommt am linken
Ohr früher an als am rechten Ohr.
Natürlich, was das nicht abdecken kann,
Stereo, ist der ganze Fall,
dass wir auch ja immer Klangeindruck von allen Seiten bekommen. Ne?
Also das ist ja etwas, was sozusagen in klassischen Abhörsituationen...
Also wir haben zwei Lautsprecher und die stehen vor uns oder
wir haben einen Lautsprecher und der steht vor uns, das ist immer artifiziell.
Und ich glaube, das ist halt auch ein wichtiger Punkt,
selbst wenn man noch so gute Mikrofone hat und noch so viel
Möglichkeiten der Nachbearbeitung, man wird mit zwei Lautsprechern
natürlich es nie hinkriegen, dass der gleiche Klangeindruck entsteht
wie in einem Konzertsaal und das will man auch nicht.
Also deswegen ist sozusagen immer
die Aufnahme ist immer eine Art Fotografie einer Sache.
Es ist immer ein Festhalten eines Klangeindrucks,
aber nie die exakte Abbildung, sondern
es ist sozusagen nur ein Versuch der Annäherung.
So und dann gibt es ja diese - und das wäre nämlich jetzt;
deswegen habe ich
so einen langen Ausflug gemacht
- das wäre auf meiner Seite jetzt der zweite Punkt neben Stereo.
Ich hatte auch Stereo auf meiner Liste, aber gleichzeitig habe ich auch Immersive
Surround Sound, also 3D-Audio auf meiner Liste.
Nämlich da wird dann genau probiert zu sagen: Ach Mensch, Stereo
ist schön und gut, aber wenn wir in einem Orchestersaal sitzen oder in
einem Club oder wo auch immer,
es kommen von allen Seiten Schallwellen auf uns zu.
Und wir priorisieren die natürlich in unserem Kopf.
Wir sagen: Okay, von vorne kommt das, aber trotzdem
zum Klangeindruck gehört auch dieses Eingehülltsein.
Und das Eingehülltsein ist auch ein...
ist sozusagen auch ein Gütekriterium bei guten Konzerthäusern. Ne?
Also bei klassischen guten Konzerthäusern.
Das heißt nämlich,
der Sound kommt noch von hinten, aber zu einer bestimmten Zeit.
Der darf nicht gleichzeitig kommen, bisschen später muss er kommen
und so weiter.
Aber wir nehmen das alles wahr und das ist diese Einhüllung
die uns auch emotional dann bewegt.
Ja, Ja, absolut.
Und ich glaube, genau deswegen bin ich so begeistert oder
so tauche ich so gerne ein in diesen Gedanken, was für einen,
was für ein Dimensionswechsel im wahrsten Sinne muss das gewesen sein, als man
angefangen hat, wie du schon sagtest, artifiziell
Räume eben zu kreieren, durch diese, durch diese eigentlich Illusion
von Laufzeitunterschieden, denn es wird quasi ja
unserem Gehör
suggeriert: Hier ist etwas dichter am linken Ohr oder etwas dichter
am rechten Ohr, nämlich je nachdem wann das kommt oder auch wie laut es ist
und so.
Und dieser Dimensionswechsel, wenn man sich den veranschaulicht,
so von einer Box und dann hin zu zwei Lautsprechern, wo man
diese Laufzeitunterschiede deutlich machen kann, die eben eine neue Dimension,
nämlich das tatsächlich dann ja na ja, sagen wir erst mal
zweidimensionale Hören offenbaren,
was damals eben schon
so unglaublich sich auch in der Musik gezeigt hat.
Dann kommt vielleicht an dieser Stelle noch einmal das Beatles-Beispiel,
was ich eben schon angekündigt hatte.
Da gibt es eventuell sogar ein Mythos.
Ganz viele Beatles-Aufnahmen der 60er
sind ja immer sehr durch dieses Hard-Penning geprägt,
also dass das gesamte Schlagzeug und die Gitarre auf einer Seite ist und
die Stimme und vielleicht
noch der Bass oder so auf der anderen Seite.
Das kann gut sein, so spekuliert man zumindest, dass das einfach nur
technisch bedingt war.
Dass quasi es keinen Panorama-Regler gab, wo man den Anteil verschieben konnte,
sondern einfach nur links Center oder rechts als festen Wert einstellen konnte
und dass unter anderem deswegen solche Sachen also entstanden sind.
Auf jeden Fall sehr interessante Mixing-Techniken,
die man heute eigentlich so nicht mehr verwendet.
Aber worauf ich hinauswill, wenn man sich sozusagen
diesen Dimensionswechsel noch mal klar macht, dann sollte
auch klar werden, dass das ja so der erste Weg
hin war zu all diesen Möglichkeiten, die wir eben jetzt noch haben, wie du
sagst, dieses dreidimensionalen Hörens oder dieses komplette Surround,
dass wir Räume haben, wo wirklich eine gesamte Lautsprecherlandschaft
so aufgebaut ist, dass von allen Seiten des Raumes
wir eben auch Klang empfangen können und so wieder so ein ganz anderes Erleben
von eigentlich artifiziell erstellter Musikproduktion möglich ist.
Wie zum Beispiel im Planetarium Hamburg zum Beispiel
gibt es so eine Anlage, aber natürlich auch an anderen Stellen.
Genau, in der Musikhochschule Hamburg gibt es das auch.
Im Forum wird es eingebaut. Richtig, richtig, genau.
Und da ist es sogar so, dass quasi artifizielle Verhallung gemacht wird.
Also der Raum selbst hat kaum Nachhall, nur 0,7 Sekunden.
Aber es wird eben durch diese vielen Lautsprecher...
werden eben Reflektionen simuliert und man kann dann die Hallzeit beliebig
groß einstellen,
also ob man einer Kirche sitzen möchte oder in eben einem kleineren Saal.
Genau.
Aber ich weiß auch gar nicht, ob jetzt
ob Immersive Audio, also dieses 3D-Audio, das nächste Ding für Musik sein wird.
Mir scheint es zurzeit noch so zu sein, das benutzen zwar alle und aber
und wird immer mehr benutzt und man kann es auch durch verschiedene
technische Hilfsmittel ja jetzt beim Joggen hören und so, aber
ob das wirklich genauso ein Schritt ist wie Stereo?
Denn man muss ja zugeben, Stereo funktioniert ja für
das relativ unterkomplexe System, nämlich
genau zwei Kanäle mit zwei Lautsprechern,... Ja.
...funktioniert es ja erstaunlich gut.
Wir haben eine sehr starke Phantom-Mitte.
Das heißt, zwischen den Lautsprechern, es steht ein Center.
Das Center ist es immer dann, wenn... Ne?
Es kommt eben gleich laut aus
beiden Lautsprechern raus, dann sitzt es genau in der Mitte.
Und man hat eine ziemlich gute Tiefenstaffelung.
Also das heißt, es wird fast schon dreidimensional,
wenn man es in guten Abhörsituationen hat und gut gemischt
ist, bekommt es ja trotzdem diese Dreidimensionalität.
Also ich will jetzt gar nicht behaupten, das Immersive ist
die einzig wahre Sache in Zukunft.
Ich glaube, dass Stereo sich da immer gut behaupten kann.
Und es haben sich ja so ein paar -
was du mit den Beatles gerade erwähntest - es haben sich ja
ein paar so Standards durchgesetzt einfach.
Und diese Standards wie zum Beispiel Main Vocal ist in der Mitte,
Bassdrum ist auch in der Mitte, Snare ist auch in der Mitte.
Und diese Standards... Und Bass zum Beispiel auch gerne in der Mitte.
Diese Standards haben sich durchgesetzt, nicht nur weil das irgendwie ästhetisch
besonders schön ist, sondern auch, es war noch technisch bedingt.
Also eine Sache zum Beispiel ist,
tiefe Frequenzen
sind für Lautsprecher oft relativ beanspruchend.
Energieaufwendig, ja.
Energieaufwendig. Genau.
Und um sozusagen das meiste aus so einem kleinen Lautsprecher rauszuholen,
ist es sinnvoll, dass man einfach das Signal auf beide
Lautsprecher gleich verteilt und dann kommt es eben aus der Mitte.
Und dann gab es zum Beispiel wie also zu viel
Stereo-Bass ist zum Beispiel für die New-Cut unpraktisch und so.
Also es gibt so ein paar technische Rahmenbedingungen,
die auch dafür gesorgt haben, dass der Stereo-Mix, wie er heute gemacht
wird üblicherweise, in eine bestimmte Richtung kommt.
Genau
was ja, was ja sozusagen bei dir auch mitschwingt, wenn wir sagen...
Stereo, also das natürlich bedeutet das erst mal
und da kommen wir nämlich auf die Lautsprecher, glaube ich,
also wo ich sage: Soundamplification: Das ist ja auch so eine Sache, die
auf jeden Fall immer wichtiger wurde.
Also wenn man aufnimmt, will man ja gleichzeitig Sachen auch abspielen können.
Ja. Und wir haben ja...
Also man muss ja wissen, Mikrofone und Lautsprecher sind
quasi vereinfacht das gleiche Gerät, nur in umgekehrter Art und Weise. Ne?
Also ein Mikrofon wandelt Schallwellen,
also physische Energie, in
elektrische Energie um und Lautsprecher machen es genau andersrum.
So, und die Entwicklung der
Lautsprecher, das ist ja ganz eng verknüpft auch mit
nicht nur mit Abhören und Musikgenießen, sondern...
Ne? Und am Anfang war es ja wirklich so, man hatte ja nur so einen Schalltrichter
auf dem Grammophon, das quasi einfach nur durch seine Form das verstärkt hat.
Da gab es ja noch gar keine Notwendigkeit, um eine Membran zum Bewegen zu bringen,
sondern eben dieser Schalltrichter hat es laut gemacht.
Aber als dann wirklich Lautsprecher
ins Leben gerufen wurden quasi, war natürlich auch sofort
die Frage nach: Wir wollen was verstärken, wir wollen, wir wollen Reden
von Menschen verstärken, wir wollen, wir möchten
Konzerte verstärken und so weiter.
Und da ist ja dann auch, also
spätestens mit Einzug des Stereos, ist ja dann auch in den Live-Situationen
immer mehr
Stereo genutzt worden.
Das hat man sozusagen vorher gehabt.
Man brauchte enorm viele und große Lautsprecher auf Bühnen.
Und man brauchte - und das ist sozusagen
mein zweiter Punkt bei Sound-Amplification - man brauchte Amps. Ja.
Also man musste sozusagen einzelne...
man... Es wurden Also man musste sozusagen einzelne... man...
Es wurden plötzlich auch Sachen entwickelt, Instrumente entwickelt,
die nur über Verstärkung überhaupt funktionieren.
auch Sachen entwickelt, Instrumente entwickelt,
die nur über Verstärkung überhaupt funktionieren. Richtig, genau.
Also so was wie E Gitarren, so was wie auch E-Pianos und so weiter.
Ja, ja und es ist sowieso eigentlich auch...
Also abgesehen von den Instrumenten auch, finde ich es eigentlich einen spannenden
Punkt, wie sich das Ganze gegenseitig immer auch so
die Bälle hin und her gespielt haben.
Also als Musikproduzent
musste man natürlich immer
in Betracht ziehen: Auf welchen Anlagen wird denn eigentlich abgespielt
am Ende des Tages?
Und genauso andersherum natürlich.
Wenn neue
Produktionstechniken möglich sind, entwickeln sich neue Abspielmöglichkeiten.
Also all das Phänomen, was wir jetzt eben auch haben mit 3D-Audio und so.
Solange ist nicht,
solange man nicht irgendwas hat, was dem Rechnung tragen kann,
dann nützt einem das natürlich auch nichts und gleichzeitig bewegt sich da
ja die ganze Zeit immer was.
Genau ein sehr guter Punkt.
Ein schönes Beispiel dafür ist - bringe ich immer in meinem Hochschulkurs
- ist Pharrell Williams und "Happy".
Damals war es ja so, dass dieser Happy Song sollte ja vertanzt werden. Ne?
Also alle möglichen Leute
haben irgendwelche Videos dazu gemacht und haben dazu getanzt.
Und haben das dann auf irgendwelche Plattformen hochgeladen. Ja.
Und der Song war so gemischt, dass er sehr, sehr, sehr gut auf den damals
verfügbaren Telefonen abgespielt werden konnte. Genau.
Die meisten davon waren in Mono und der ganze Song
funktioniert nämlich in Mono enorm gut, weil er quasi mono ist.
Der wird - also der ist nicht ganz mono -, und er und er wird im Refrain
ein bisschen breiter,
aber eben nur durch Vocals, die im oberen Mittenbereich was machen
oder im Mittenbereich.
Aber alles, was sozusagen schwierig werden könnte im Mono, das wird...
Also es ist enorm gut translated, enorm gut sozusagen auf Mono-Lautsprecher.
Und das war eben der Grund, war,
na ja, wahrscheinlich
müssen wir das so produzieren, damit es eben gut auf den iPhones
und anderen Telefonen dieser Welt abgespielt werden kann.
Und da gibt es, glaube ich, da können wir jetzt eine
eigene Folge über solche Gimmicks machen von welche Songs, für welche,
für welche
Abspielgeräte am Ende total in der Produktion
so erkennbar sind und sind, ob das jetzt irgendwelche Noise-Canceling-Airports sind
oder Bluetooth-Boxen,
die ja auch ja wieder mono sind oder dann eben doch stereo können und so weiter
und so weiter.
Also. Ja, oder auch die Art und Weise wie gesungen wird.
Also wenn du überlegst, wie Whitney Houston gesungen
hat, das war ganz stark verknüpft mit einer
mit einer Art und Weise, wie Musik in den Achtzigern auch gehört wurde.
Und das heißt, es war, es wurde tendenziell
war sozusagen... Oder andersrum.
Jetzt Billie Eilish heutzutage
funktioniert sehr, sehr gut auf Kopfhörern.
Ja, genau.
Eine Whitney Houston funktioniert sehr, sehr gut auf einer normalen Anlage.
Ne? Ja, genau, ja.
Genau. So.
Also je nachdem, was man halt verfügbar hatte. Aber mach du mal weiter.
Bei mir geht es jetzt schnell in die ganz digitalen Bereiche rein beim nächsten.
Ja, dann habe ich vielleicht noch so
ein Mittelmaß dazwischen.
Für mich auf jeden Fall auf der Liste die Erfindung von Midi.
1983 zum ersten Mal auf der NAMM vorgestellt.
Ja, das ist für mich zum Beispiel...
habe ich die Instrumente kategorisiert...
Ja, ja, ja, genau, genau. Midi. ...gesetzt. Aber das ist super.
Aber, ne, einfach, dass sozusagen
ein Instrument Signale senden kann, die beim anderen Instrument
oder auch bloßem Klangerzeuger ankommen und dort was getriggert werden kann.
Oder auch die ganzen Möglichkeiten von komplexen Programmierungen.
Also eine einzelne Keyboardtaste kann eine ganze Sequenz oder ganze Akkorde
oder Arpeggiator oder sonst was triggern.
Das ist ja, denke ich, unbestritten, was das für Auswirkungen gehabt hat
auf die, auf die gesamte,
auf die gesamte Musik, auf die gesamte kreative Musikentwicklung.
Und ich finde es irgendwie total witzig und spannend,
dass eigentlich so kilobyte große Datenmengen
heute noch so allgegenwärtig sind und durch die Gegend geschickt werden
in allen möglichen Kontexten, die mit irgendwie Audio und Musik zu tun
haben, was was noch ja auf eine Diskette eigentlich passt. Ne?
Ja, genau.
Ich glaube wir müssen kurz für die Hörer, die den Unterschied nicht kennen...
und das glaube ich sehr viel, weil es ganz normal ist, dass man das denkt.
Ja. Es gibt ja, wenn man, wenn man so...
Man sieht ja oft in solchen Videos
von hippen Produzenten oder so sieht man so Keyboards in deren Studios.
Und es gibt eben Midi-Keyboards, die sind nur dafür da,
dass sie MIDI-Signale erzeugen.
Das heißt, ein Midi-Signal ist im Endeffekt einfach nur...
da steht drinne,
welche Taste habe ich gedrückt, wie lange drücke ich die
und wie doll drücke ich die und noch so ein paar Sachen.
Also es kommt aus diesem Midi-Keyboard kein eigener Sound
raus, um das mal so deutlich zu sagen. Genau.
Es kommt kein Sound raus, sondern damit steuert man dann quasi
einen externen Sound-Generator. So.
Und dann gibt es
natürlich auch Sound generierenden Keyboards, Synthesizer zum Beispiel.
Oder irgendwelche, was weiß ich, jedes Yamaha-Übepiano,
was man irgendwo stehen hat, damit man die Nachbarn nicht stört.
Auch das generiert ja einen Sound.
Aber oft haben diese Dinger dann auch gleichzeitig noch einen Midi-Ausgang.
Das heißt, man kann mit denen auch
irgendwelche anderen Sound generierenden Geräte steuern.
Das heißt, dass...
Es muss nicht heißen, wenn man nur ein Gerät sieht
mit Klaviertasten, dass es unbedingt ein Synthesizer ist oder unbedingt ein
Midi-Keyboard, sondern es kann eben beides sein oder
es ist nur ein Midi-Generator und hat dann keinen Sound.
Und diese Sound empfangenden... Nee, Quatsch.
Diese MIDI empfangenden Geräte, die Sound generierenden Geräte.
Das können halt Synthesizer sein, das können aber eben auch Computer sein.
Oder - und das ist das Nächste, was ich auf der Liste habe, nämlich -
die große Kategorie der Sampler oder der Sampling-Technologie eigentlich.
Direkt verknüpft mit diesem...
mit dieser Technologie, nämlich MIDI
als datenarme Information, die von A nach B gesendet werden können.
Und dann natürlich ein Gerät, was
Audiofragmente oder auf jeden Fall Audioschnipsel mindestens mal beinhalten
kann,
die wieder so programmiert werden können, dass sie im richtigen Moment
oder durch die richtige Belegung abgespielt werden können.
Nicht nur hat diese Technologie natürlich den gesamten Bereich, was
virtuelle Instrumente und Klangerzeugung betrifft, revolutioniert oder verändert.
Wir haben heute unglaublich komplexe und gut gemachte
Orchester, Instrumente oder auch andere moderne
Pop-Instrumente, die über diese Technologie angesteuert werden.
Sondern hat sie
auch ganze Musikrichtungen wie Hip-Hop eben aus dem Boden gestampft.
Also dass man einfach Audioschnipsel aus anderen Songs, die gut funktioniert haben,
meistens ja am Anfang so Funk-Beats,
nehmen konnte, um sie auf irgendwelche Pads zu legen, abzuspielen und daraus
dann die ersten Hip-Hop-Beats entstanden sind.
Was eben so
stilgebend war für diese Richtung.
Und das ist, denke ich, eine ganz wichtige Erfindung, die...
Da bevor wir über Sampling selber reden...
das...
Der Anfang von Sampling - und ich hatte es auf meiner Liste,
habe es dann wieder runtergenommen -,... Ja.
...war also nicht Sampling selbst, sondern war das Melotron.
Oh ja, richtig, das Melotron. Das war sozusagen.
Also ne?
Da spielst du auf kleine aufgenommene Schnipsel.
Das ist quasi das Fortdenken von dieser Musique Concrète,
wo man sagt: Okay, jetzt spielen wir da, jetzt drücken wir eine Taste.
Und dann wird
eben ein kleines, aufgenommen
auf Tape aufgenommenes
Schnipsel eines Sounds abgespielt zum Beispiel von Streichern
oder was auch immer.
Und da sind wir wieder bei den Beatles.
Also wir nehmen jetzt immer Beatles-Beispiele,
aber es gab noch viele andere, aber die kennt natürlich jeder.
Bei "Strawberry Fields"
haben die so ein Ding benutzt.
Ne? Das sind diese... Ja.
Ganz markante Flöten oder was das...
Ja, genau.
Und das sozusagen, das ist ja quasi
der Ursprung des klassischen Samplings.
Ne? Und daraus...
Ja. Und dann gab es natürlich diese anderen Möglichkeiten.
Also die Frage ist ja immer beim Sampling: Worauf wird es gespeichert?
Ne? Und ob...
Ist das so ein Tape oder ist das, oder ist das halt im Endeffekt eine Festplatte?
Das egal.
Aber das Prinzip ist immer das gleiche: Man nimmt eben irgendwas auf
oder man hat einen Soundschnipsel irgendwo her
und benutzt den in irgendeiner Art und Weise.
Und das ist ja schon was, was eben in dieser Musique Concrète
dann viel gemacht wurde,
was dann aber später bei Hip-Hop - also die nannten das ja so was wie...
also Ancestor Worship -,
wo sie dann sagen: Okay, wir benutzen halt...
wir verbeugen uns vor dem Davor-Gegangenem, wir sind eben...
wir stehen auf den Schultern des Riesen
und nutzen diese ganzen Sachen, die es da gab -
also irgendwelche alten Funk-Klassiker
und so weiter - und bauen darüber unsere Beats und rappen darüber.
Das hat natürlich diese...
gleich das Problem mit sich gebracht,
dass ja
die Musik, die da gesampelt wird,
selbst auch ein Produkt war, mit dem Leute Geld verdienen wollten.
Und jetzt...
Also ne?
Also der Song, wenn man einen Song sampelt,
dann benutzt man ja quasi das geistige Eigentum in irgendeiner Art und Weise
dessen, der den ursprünglichen Song gemacht hat.
Das heißt, was passierte war, dass natürlich sofort gesagt wurde:
Also Sampling ist irgendwie Copyright Infringement, da müssen wir irgendetwas dagegen tun.
Und dann...
Und viele Musiker haben sich dagegen so ein bisschen gewehrt, indem sie halt
so verzerrt benutzt haben und so klein geschnitten haben, dass man
eh nicht mehr genau wusste, wo es geht.
Aber inzwischen kommt fast kein Song Popsong mehr ohne Sampling
in irgendeiner Art und Weise aus.
Und viele Musiker haben sich
dagegen so ein bisschen gewehrt,
indem sie es halt so
verzerrt benutzt haben und so klein geschnitten haben,
dass man eh nicht mehr genau wusste, wo es geht.
Aber inzwischen kommt fast kein Song, Popsong mehr
ohne Sampling in irgendeiner Art und Weise aus.
Und es gab ein Beispiel von
John Oswald, der hat einen Song, ich glaube, Ende 80er gemacht,
"Plunderphonics" hieß der, wo er einfach 24 sehr bekannte Nummern
genommen hat und die zusammengeschnitten hat und
hat die dann auf CD gepresst und hat die verschenkt.
Und hatte gesagt: Okay, ihr könnt die, ihr könnt die weiter verschenken
und sow weiter irgendwie und könnt die vervielfältigen, auch immer,
was ihr machen wollt, aber ihr dürft sie nicht verkaufen. Ja.
Und der war Kanadier der Typ.
Und dann gab es halt ganz viele Lawsuits gegen ihn
und im Endeffekt musste er die restlich verbleibenden CDs
vernichten und durfte sie nicht weiter vertreiben, also verschenken.
Ich glaube zu dem Thema der,
was den ganzen Bereich von Lizensierung und Samples und Wiederverwendung angeht,
könnte man auch eine eigene Podcastfolge... Unbedingt. ...führen.
Also das Prinzip der Collage ist ja auch schon lange vor dem Sampling
auch also in der Musik bekannt.
Also nicht nur da, wo
Aufnahmetechnik oder schon bestehende Aufnahmen verwendet wurden.
Aber es kann eben auch in eine andere Richtung gehen.
Ich bringe noch ein kleines Beispiel, nämlich der Fairlight CMA.
Das war einer der ersten
digitalen Synthesizer - übrigens ein Bereich,
den wir jetzt komplett übersprungen haben bisher die digitale Klangerzeugung
von Synthesizern - mit Samplingtechnik.
Da konnte man sogar - das muss man sich mal auf Videos angucken
- mit einem Stift auf dem Bildschirm malen.
Also hochkomplexe moderne Technologie, was wir heute irgendwie vom
iPad oder so kennen.
Und was daran so besonders lustig ist, dass eben nicht nur man
die Möglichkeit hatte, selber
Samples aufzunehmen und abzuspielen,
sondern dass eben auch so eine gewisse Stock-Library mit dem Gerät mitkam.
Und da kommt zum Beispiel dieser berühmte Orchestra-Hit her,
der aus Strawinskys
"Feuervogel" abgesampelt ist, als Stock-Sample auf diesem Gerät war
und das seit den 80ern bis heute in jedem erdenklichen Popsong
immer wieder mal vorkommt,
ist immer dasselbe Sample, also immer wieder aus dieser Datenbank
und auch so richtig seinen eigenen ikonischen Sound bekommen hatte.
Ja. Genau, aber du hast ein wichtiges The...
Also, ja, ich stimme dir voll zu.
Der Fairlight war wichtig.
Aber ich habe diese ganze Kategorie Synthesizer,
die sind bei mir in der dritten Kategorie...
Ja, ja, natürlich. ...instrumental sozusagen.
Wobei ich da...
Also da gibt es halt so viel, da müssten wir halt... können...
Also da könnten wir eine ganze Podcastreihe...
Reihe. Ja, ja, richtig.
...drüber machen. Deswegen.
Also ja, Synthesizer waren ganz essenziell wichtig und wurden
ermöglicht durch die technische Entwicklung
ab den 60ern und oder ab den 50ern, jetzt kann man sich drüber streiten.
Aber vom Prinzip haben die natürlich auch ganz neue Musik
ermöglicht und haben auch ganz neue...
Also ich meine, Pink Floyd wäre ohne Synthesizer gar nicht denkbar gewesen.
Ja. Und bis, aber bis heute ist es so,
dass diese synthetischen Sounds
in zwei Richtungen gehen.
Nämlich: Entweder man versucht, möglichst nah an dem Original zu bleiben
und da geht es sozusagen nicht nur um
jetzt Sampling, was ja sozusagen wirklich das Original ist,
sondern da geht es auch um Modeling und so weiter, dass man versucht,
so nah wie möglich an irgendein echtes Instrument zu kommen
mit synthetischen Klangsynthesen.
Oder man versucht eben einfach Sounds zu bauen,
die es so einfach gar nicht gibt.
Und ein Beispiel für das erstere wäre, dass wir ja inzwischen sogar schon
manche Orgeln gar nicht mehr mit Pfeifen ausstatten,
sondern dass da Synthesizersounds benutzt werden, um sozusagen
die Orgel zum Klingen zu bringen.
Und da ist sozusagen...
mein Schluss ist einfach der, dass wir bis heute...
und immer für immer mehr werden Musikinstrumente gebaut
und Synthesizer ist ein Beispiel, eine Kategorie davon, die von
Technologie profitieren und dadurch auch designt werden.
Also inzwischen ist es ja auch so, dass man
sich alle möglichen Blasinstrumente und so weiter kann man halt sehr, sehr
genau modellieren im Sinne von Am-Computer-Formulieren, wo bestimmte
Verwirbelungen
stattfinden und wie man die Mensuren setzt und so weiter.
Und all das wird ja genutzt, damit man bessere Instrumente bauen kann.
Das heißt, Technologie hat auch Einzug gehalten
in diesen ganz klassischen Beruf eines Instrumentenbauers und so weiter. Ne?
Ja, sehr spannend.
Ja. Hast du noch was auf der Liste?
Ich hätte sonst noch.
Ich habe noch.
Ja, ich habe was. Okay, ja gut. Mach du dein Nächstes.
Also ich hätte jetzt noch einen großen Bereich, der sehr
into twined ist.
Nämlich einmal DAWs, also Digital
Audio Workstations, so was wie
Reaper, Logic, Pro Tools,
Cubase, Nuendo, Ableton, Bitwig und so weiter.
Und da gibt es sehr, sehr viele inzwischen, die alle
versuchen ihre Nische zu finden.
Aber was die halt alle vereint - und das ist, glaube ich, das,
was wichtig ist -: Man kann mit den Sachen machen
und das ist eigentlich das, was heute extrem Einfluss auf Musik
hat, die vor ein paar Jahrzehnten noch gar nicht denkbar waren. Ja.
Also Beat Slicing, Pitch-Veränderungen,... Ja.
...eben auch Sampling.
Und aber auch ein ganzer Bereich, der sozusagen oft dann jetzt eben
unter die DAWs subsumiert wird, aber der eigentlich ein eigener Bereich
ist, nämlich Digital Signal Processing. Ja.
Wir kennen das im... Ne, als was wir...
Wenn du mischst so in einer DAW, dann hast du halt irgendwelche Plugins,
die machen dann irgendwas.
Also die machen bestimmte Frequenzen lauter, schränken deine Dynamik ein,
die verzerren etwas, aber das machen sie alles ohne wirkliche echte Geräte.
Also man braucht jetzt nicht ein
Röhrengerät, um Röhrenverzerrung zu haben, sondern das wird eben durch
Digital Signal Processing gelöst oder eben durch Maschinen.
Aber sozusagen dieser ganze Bereich der Signalbearbeitung... Ja.
...mithilfe des Computers, das ist halt ein Riesenfortschritt gewesen,
weil das natürlich dafür gesorgt hat, dass wir Musikproduktion
deutlich günstiger und in viel kleineren Geräten ermöglichen.
Das heißt,
ich kann heute eigentlich einen Top-Hit mischen auf einem kleinen Laptop im Zug.
Das einzige Problem ist da, ich habe halt nur Kopfhörer...
Ja, ja. ...und jetzt nicht große Abhöre und so, aber...
Und das andere, was sozusagen durch die DAWs eingeführt wurde,
ist die Möglichkeit der unendlich detaillierten Bearbeitung.
Ja, das stimmt. Also ich habe so ein Beispiel
von, also von Glenn Gould.
Glenn Gould
hat - als der seine Sachen aufgenommen hat, wurde immer gesagt - der hat ja
am Anfang,
hat ein bisschen, ist ein bisschen live aufgetreten und hat dann am Ende
immer mehr sich darauf versteift, nur noch im Studio zu arbeiten.
Und es wird die Geschichte kolportiert, dass er eigentlich nur 10 % seiner
Studiozeit wirklich aufgenommen hat und die andere Zeit wurde editiert.
Und das Ergebnis, was wir hören, also die späten
"Goldberg-Variationen" oder so was wir da hören,
das ist sozusagen keine Performance mehr, die wir hören,
sondern wir hören ein artifizielles Produkt.
Und trotzdem ist das ja eine super Aufnahme, das lebt und atmet ja total.
Das heißt...
Und hätte der die heutigen Möglichkeiten, ja,
der könnte noch viel detaillierter
reingehen, weil: Damals musste man es ja händisch schnippeln und so weiter.
Ja, ja, ja, ja, ja.
Und jetzt kann man das alles so einfach machen.
Wir werden in unseren nächsten Folgen da bestimmt auch noch drauf kommen.
Aber die Fähigkeit, Sound zu beeinflussen und damit
mittelmäßige Aufnahmen in sehr gutem Licht erscheinen zu lassen..., Ja.
...das sind Dinge der dadurch...
Also das ist krass, was da passiert ist in den letzten Jahren.
Und ja.
Und ich wollte noch einmal zurück zu dem Glenn-Gould-Beispiel. Also
das finde ich eigentlich auch eine super interessante Entwicklung,
weil es wieder mal auch etwas ist, was sich früher schon so angebahnt hat.
Also wenn man sich vorstellt, wie teuer oder wie aufwendig
Studioproduktionen wurden. Ne?
Also als die ersten Aufnahmen gemacht wurden, da war klar,
eine Band hat performt, hat geübt, ist dann ins Studio gegangen,
hat dann performt, dann wurde es mitgeschnitten
und dann war das die Aufnahmen und wurde veröffentlicht.
Dass dann irgendwann Bands wie Beatles, Pink Floyd oder wer sonst noch so in Abbey
Road oder sonst wo gearbeitet hat - 6 bis 9 Monate und länger
im Studio gearbeitet hat - für ein Produkt, für eine CD,
das war ja auch schon so, also eine Entwicklung,
wo manche gesagt haben: So kann das denn, kann das denn die Wahrheit sein?
Und genauso, dass man eben jetzt teilweise ewig lang an der Editierung
sitzt, einfach auch natürlich, weil man es kann.
Und das denke ich eben auch.
Also wenn man sich vorstellt, man musste mit einem Rasiermesser
ein Tape durchschneiden
und was man dort weggeschnitten hat, das war dann auch da weg.
Das heißt, wenn man das kopieren wollte, muss man das überspielen
auf ein anderes Tape.
Und das man heutzutage
einfach mit einer Maus einen Klick setzt, irgendwas woanders hin
schiebt oder Command C, Command V und man hat alles immer noch da.
Einhergehend mit immer lächerlich anmutenderen Festplattenspeicherpreisen.
Also wir können unendliche Datenmengen auf sehr, sehr kleinem Raum bereits ja
festhalten, was diese ganzen Möglichkeiten natürlich ja völlig verändert.
Aber es hat auch Blüten getrieben.
Also ich weiß noch eine Geschichte,
die mir in Erinnerung geblieben ist von einem Bekannten war...
Die haben halt Anfang der 90er...
wenn die Produktion gemacht haben, war es halt durchaus üblich,
dass man halt die die Drums in New York aufnimmt,
in Bass in Amsterdam und die Gitarren in London,
weil diese jeweiligen Studios dafür berühmt waren. Ja.
Das heißt,
man hat enorm viel Budget verschleudert, aber das Budget war eben
auch in der Musikindustrie da.
Heute ist es so...
Und dann gab es diesen einen Turning Point, der war halt,
also ich weiß nicht, ein paar kennen vielleicht noch Scatman John.
Aber es geht mit John
wurde halt einfach in einem Kölner Wohnhaus im Wohnzimmer aufgenommen.
Und es wurde trotzdem ein Nummer-Eins-Hit.
Das heißt,...
Ja. ...es gab überhaupt keine Notwendigkeit mehr,
diesen ganzen großen Aufwand zu betreiben und nach New York zu fliegen
und da irgendwie...
Und auf einmal wurden sozusagen die Kosten geringer.
Aber gleichzeitig entstand ja - und das ist noch eine dieser
an dieser Entwicklung technologischen Entwicklung,
die auch für Musik sehr, sehr relevant war, nämlich - die Digitalisierung
von Musikkonsum.
Die hat ja dann dafür gesorgt, dass eben auch weniger Budget da war,
weil eben, ne: Erst gab es Napster und so weiter diese ganzen Tauschbörsen.
Und inzwischen ist es ja so, dass die Musikindustrie
insgesamt was das Budget angeht halt...
Also sagen wir mal so, die spielen es sehr sicher, was neue Produktionen angeht.
Früher war es durchaus so, dass man eben von zehn Produktionen, die man machte,
mussten halt drei gut funktionieren und die sieben anderen,
die waren halt Versuche und da hat man dann irgendwie ein, zwei,
drei CDs rausgebracht, bis dann der Künstler irgendwie was wurde.
Inzwischen ist es so, dass von zehn Produktionen neun funktionieren müssen
und die eine ist dann die, die man mitschleppt.
Und das hat natürlich
also...
Das ist sozusagen die Kehrseite von der Demokratisierung.
Und man kann natürlich überall und immer und jeder kann Musik produzieren.
Das heißt, es ist viel schwerer herauszustechen
mit irgendetwas, weil jeder auf relativ hohem Niveau das schon produzieren kann.
Auf der anderen Seite wieder gibt es durch
Spotify und Apple Music und so gibt es natürlich
die Möglichkeit, sich sehr genau seinen eigenen Radiosender
quasi zusammenzustellen. Das heißt,
die Diversifizierung der einzelnen Stile und so wird immer ausgeprägter.
Jeder hat so seinen Musikgeschmack.
Und das heißt, man kann als Musiker
natürlich auch dann doch noch irgendwie irgendwelche Leute finden,
die das genau hören wollen, was man da macht.
Ja. Ja, aber ich glaube halt ein Punkt und...
Oder hast du... Ich hätte jetzt noch...
Ich würde noch eine Sache hätte ich noch...
Aber vielleicht hast du ja noch was dann.
Na ja,
ich habe vielleicht noch eine Kleinigkeit die, die daran ein bisschen anknüpft.
Das ist ein bisschen unfair oder ein bisschen aus der Reihe, weil:
Eigentlich haben wir ja jetzt so was
wie die ganzen Distributionskanäle weitgehend ausgeklammert.
Also natürlich war auch die Erfindung des Radios revolutionär, weil auf einmal
Musik zu Hause gehört werden konnte.
Das ist ja auch was, das man sich heutzutage gar
nicht mehr vorstellen kann, dass das mal neu war.
Aber ich habe mir irgendwie noch die
CD aufgeschrieben, um zum einen, weil die Klammer digitalisierte Musik
natürlich da drüber steht, aber auch, weil sich etwas grundlegend verändert
hat, nämlich im Design von
wie man die Track-Reihenfolge gestaltet.
Also ich finde es eigentlich sehr faszinierend,
dass man bei der Schallplatte sich wirklich überlegen musste: Okay,
wie schafft man es - es muss leider einmal umgedreht werden
im Verlauf des Albums - wie schafft man es also, einen so guten Einstieg zu finden,
dass die Leute am Ende der ersten Seite auch wirklich noch mal umdrehen wollen?
Also einen guten Einstieg, einen guten Ausstieg aus der ersten Seite,
eine gute Überleitung hin zur zweiten Seite.
Und das kann man auf vielen Schallplatten
eben wahrnehmen, dass sich da wirklich aktiv drüber Gedanken gemacht wurde.
Das ist mit der CD dann weggefallen, hat sich aber natürlich...
Also die Idee, Konzeptalben zu machen, wie es ja vor allem so Pink Floyd
zum Beispiel ganz viel gemacht hat, die konnte sich da natürlich halten
und war
vielleicht sogar ein bisschen besser, weil man einen noch durchgehenderen
Fluss haben konnte.
Und letzten Endes natürlich wurde das dann so mit der Erfindung
spätestens der MP3-Player, denke ich - oder überhaupt Musik können
MP3, du hattest eben auch Napster schon erwähnt -
irgendwie natürlich dann auch noch mal grundlegend verändert,
weil auf einmal das konzeptuelle Hören eines Gesamtwerks
immer weiter in den Hintergrund gerückt ist und sozusagen einzelne Titel
hervorstechen oder herausgebracht werden.
Und das merkt man auch heute noch, wo Musik eben hauptsächlich
über digitale Streaming-Plattformen vertrieben wird,
dass sehr viel weniger Alben,
die jetzt so einem Schema oder einem Konzept folgen,
erscheinen, sondern eben sehr viel mehr auch EPs oder eben
auch einfach einzelne Singles,
die gar kein Albumkonstrukt mehr brauchen, auf den Markt kommen.
Also, ja.
Ja vor allem,
weil man in diesem ganzen Rauschen natürlich irgendwie herausstechen will
und man dann eben immer mal eine Sache wieder rausbringt und das dann
gut besser vermarkten kann als ein ganzes Album, in dem man irgendwie
einen zwei Jahre sitzt und dann alle zwei Jahre mal was raushaut.
Es passt ja nicht zu den täglichen Posts,
die man dann am besten bei Instagram macht.
Nee, genau, genau.
Man muss schneller und öfter was auch raushauen. Ja.
Und es ändert sich aber, glaube ich, auch die Art und Weise. Also wir haben ja...
Musik ist ja inzwischen wirklich überall und immer verfügbar.
Und dadurch scheint mir auch, dass sich die Form ein bisschen auflöst.
Also es gibt ja inzwischen immer mehr so mosaikartige Musik,
die keine klaren Anfänge und auch kein klares Ende hat.
Dann gibt es ja auch so inzwischen genug ML-Algorhithmen, die so
endlos jukebox-mäßig
einfach
immer weiter spielen und Musik generieren
und... Genau.
Aber ich würde vielleicht schließen damit, dass
wir sagen: Es gibt einen schönen
Aufsatz von Walter Benjamin, und zwar "Das Kunstwerk im Zeitalter
seiner technischen Reproduzierbarkeit".
Und da sagt er so was wie: Das erste Mal in der Geschichte
emanzipiert sich technische Produktion
oder emanzipiert technische Reproduktion.
Ein Kunstwerk von seinem parasitären Dasein und seiner
Abhängigkeit von Ritualen.
Und was er damit sagt, ist ja quasi: Auf einmal ist eben Musik
zu jedem Zeitpunkt verfügbar.
Wir müssen nicht dafür in ein Konzert gehen, wir brauchen nicht
ein Musiker, der uns das aufführt
und so weiter, sondern wir können unabhängig von dem Musiker
das hören.
Aber damit
scheint ja auch das Kriterium
der Authentizität irgendwie in Frage gestellt zu sein.
Und wieweit wird Authentizität auf den
Künstler überhaupt noch übertragen?
Denn wenn du das
direkte Aufführung siehst, dann ist das natürlich was anderes,
als wenn du nur noch die Aufnahme davon hörst.
Und das ist ja das, was wir eingangs auch besprachen, dass ja dann Musik
sich immer mehr auch überlegt hat, wie kann sie damit umgehen.
Also ein Beispiel ist eben zu sagen: Okay, wir haben ein Konzeptalbum; es heißt,
in dem Augenblick steht das Konzept im Vordergrund,
dann haben wir auf der anderen Seite eben Musik, wo Zufälle eine Rolle spielen;
das heißt,
die Live-Aufführung wird wieder deutlich spannender und der ganze Jazzbereich...
Ja. ...zum Beispiel
ist ja da ein super Beispiel, wo Improvisation der Kernessenz ist.
Und ich glaube aber trotzdem ist sozusagen...
Wir sind an einem Punkt angekommen, wo Technologie eben wirklich grundsätzlich
unser Verhältnis also unser Verhältnis zu Musik verändert hat.
Ja, das ist doch eigentlich ein sehr schönes Schlusswort
für die Folge heute, was denke ich, auch ganz gut
unser Gespräch
der letzten Stunde noch mal irgendwie zusammenfasst mit den vielen Beispielen,
die hoffentlich eindrücklich waren, aber wo sich natürlich auch viele weitere
noch finden lassen würden.
In der nächsten Folge wollen wir dann mit Sandra Hempel und Marcio Doctor
darüber sprechen, wie Musiktechnologie Einzug in ihren Berufsalltag gefunden hat
und wie sie als Berufsmusizierende auch natürlich von den technologischen
Veränderungen betroffen sind und diese so miterleben.
Insofern sagen wir erst mal für heute vielen Dank fürs Zuhören
und hoffentlich seid ihr auch das nächste Mal wieder dabei.
Tschüss.
[Musik]